La escena iberoamericana

Argentina. Beckett para cartoneros

Pompeyo Audivert y Lorenzo Quinteros estrenan Final de partida, del dramaturgo irlandés, obra que protagonizan y dirigen. Critican al teatro comercial y alertan sobre el abandono de los niños de la calle.
Lorenzo Quinteros y Pompeyo Audivert se toman su tiempo para elegir la obra de teatro en donde pondrán el cuerpo. “Uno sigue buscando que el teatro lo estremezca”, suelta de entrada Quinteros.
Con similar paciencia, ambos analizan las preguntas de esta cronista, mastican la respuesta y luego advierten sobre la necesidad de que el teatro conserve “el grito histórico” contra las miserias del siglo XXI. Por eso es que ambos decidieron abordar Final de partida, del Nobel Samuel Beckett, que se estrena hoy a las 22 en el Centro Cultural de la Cooperación y seguirá todos los sábados a la misma hora, y los domingos y lunes a las 20.
¿Por qué estrenar hoy una pieza teatral escrita en años de posguerra? Para Audivert (actor, director, dramaturgo, docente) el autor irlandés está “más vigente que nunca”. Y Quinteros, agrega: “Final de partida fue un brote después de la gran hecatombre de la Segunda Guerra Mundial y hoy es un lugar legítimo para hablar de las micro hecatombes que tenemos; las miserias humanas, económicas y de los gobernantes”.
Los actores también se despachan contra las nuevas formas de producir y consumir teatro en Buenos Aires. “Estoy cansado de cómo se hace teatro hoy; de la estructura industrial que ha ido tomando. Los que diseñan, los que piensan, los que mandan, los que obedecen... todo en aras de un teatro eficaz, comercial, aunque al inicio haya sido un proyecto artístico”, dice Quinteros. Audivert, por su parte, dice que el presente teatral está “demasiado dominado por la palabra”.
—¿Quién los dirige?
QUINTEROS: Nadie, nos dirigimos mutuamente y conversamos en el camino sobre el proceso de la obra.
AUDIVERT: Eso es parte de la forma de producción teatral que proponemos.
—¿Por qué eligieron a Beckett y no a otro dramaturgo?
Q: Yo nunca había hecho algo de Beckett. Lo que me gusta de su obra es que habla sin hablar; describe y estremece. Hace ver una especie de realidad del hombre por debajo de las superficies. Describe al mundo como un teatro y al teatro como un mundo, sin situaciones costumbristas. Beckett es un gran pesimista, como cualquier autor de posguerra, como Harold Pinter.
A: Tenía ganas de hacer esta obra porque sólo había trabajado en Esperando a Godot. Esta pieza no ha tenido tanta popularidad y vale la pena rescatarla. El teatro de Beckett es revolucionario justamente porque no ve salidas y eso exaspera. Uno se queda excitado con esa imposibilidad. Pero no opera con referencias al mundo exterior: crea su propia consistencia y realidad, y de ese modo se vuelve extrañamiento poético y antihistórico.
—¿La niñez tiene un peso importante en la obra?
Q: Mucho. El niño de la obra no tiene salidas. En el recorrido de la obra empieza a crecer ese niño que está afuera esperando algo, pero no se sabe qué. Está abandonado en todas las instancias. Yo, que viajo mucho en subte, te digo que hoy los niños están todos abandonados.
A: La obra habla del niño que fuimos y ya no somos. Incluso, habla de los niños de la burguesía. Parecen sanos y cuidados pero están abandonados en la desatención, cedidos a las instituciones y al televisor.
—¿Beckett es para intelectuales?
A: Justamente todo lo contrario. Beckett, y sobre todo esta obra, es para los cartoneros. Es una pieza musical, muy sensorial, que puede circular por cualquier público, por una fábrica o una villa miseria.
Q: Estoy de acuerdo. Beckett es sensorial y nada intelectual. No busca interpretar la realidad, sólo describe situaciones. No obstante, también busca movilizar la conciencia de la clase burguesa, la clase media, que busca conmoverse en la intimidad.
Texto procaz. La puesta que Audivert y Quinteros ensayan desde hace cuatro meses junto a los actores que completan el elenco, Max Berliner y Pochi Ducasse, respeta el texto original. Incluso, rescata frases del original que se omitieron en la traducción al castellano. “Logramos reencontrarnos con el tono original de la obra, que es más procaz que la versión españolizada. Hay palabras fuertes que vale la pena decirlas”, explica Audivert, director de las obras en cartel Miami y Ronda de noche. Esta última, basada en novedosas técnicas de improvisación.
—¿Creen que hoy existe vanguardia en la dramaturgia?
Q: Yo tengo la sensación de que los autores de posguerra tuvieron un gran beneficio que fue el de atestiguar el fracaso del ser humano. Esto se refleja en una literatura muy potente en el teatro y ha dejado huellas. Beckett es abuelo de todos los dramaturgos actuales. Está presente en el relato interno y el monologuismo, que hoy se desarrollan en la dramaturgia del relato.
A: Yo no veo presente que exista una capacidad de representar la fuerza ausente o el grito histórico, entonces no me resulta tan interesante lo nuevo. Creo que no se refleja la mirada crítica que todo artista debe tener sobre su realidad. Todas las épocas han estado signadas por el horror, el dolor y la miseria. Hoy, los cartoneros son un grito, pero ya nadie se escandaliza.
Q: Bueno, mi personaje da un grito en la obra. Es un alarido desesperanzador que se cuestiona qué fuimos capaces de hacer. Eso es no naturalizar la miseria.
—¿El público de teatro ha cambiado?
Q: El público que puede pagar la entrada no quiere sobresaltos. Quiere ver algo que justifique su existencia y ese otro mundo, el de los cartoneros y los chicos muertos de frío y hambre, bueno, estará por ahí… lejos del teatro.
A: El público no quiere ser conmovido salvo que sea un burgués con cierta búsqueda intelectual e inquietudes artísticas.
—En sus clases de teatro, ¿ven cambios en el modo en que los jóvenes conciben el oficio?
Q: Lo toman más livianamente, con menos compromiso que antes.
A: Es verdad, pero también es cierto que los talleres siguen siendo un lugar muy artístico, de pura experimentación. Los jóvenes tiene mucha energía y eso renueva la mirada.
Lejos del cine y la tele
—¿Cómo hacen para vivir de los que les gusta prescindiendo de proyectos comerciales?
Q: Enseño hace muchos años y ahí tengo un ingreso que me permite vivir lo mínimo y poder elegir. De vez en cuando me llaman para una película o la tele, que agranda la caja. Pero yo creo en la actitud de elegir un tipo de teatro y proponer un tipo de teatro.
A: Yo también vivo de la docencia y de la recaudación de las obras que dirijo. Pero la verdad es que no venía teniendo una multiplicidad de proyectos ni de ingresos. Me gusta trabajar en una obra que me enseñe.
—¿Pero les proponen proyectos de televisión o de teatro más comerciales?
Q: Si hubiera querido trabajar en cine o tele, habría podido utilizar espacios, porque en una época fui un actor de moda en el cine argentino, pero elegí otra cosa. Lo cierto es que a mí me gusta mucho hacer teatro y disfruto más haciendo un sólo proyecto por vez.
—Hoy parece que un actor de televisión puede hacer teatro fácilmente y viceversa. ¿Qué opinan?
A: Hay un excesivo naturalismo y costumbrismo en la tele y eso se trasladó al cine. Los cineastas no confían en sus propias historias y se dejan llevar por la vorágine audiovisual. En cambio, el teatro tiene otras características que exaltar. Habría que resguardar su especificidad en el tiempo y en el espacio, respetar los lenguajes del teatro.
Q: En la televisión te ve mucha más gente en un minuto. Pero el teatro tiene una durabilidad que no tiene la televisión. Cuando la gente te ve en una obra, te reconoce después de veinte años. Es una experiencia única que no se olvida, porque justamente el teatro tiene esas particularidades.

• Valeria Caselles | Perfil | 2008-06-07

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